Programa

Sesión 1 – La pintura después de la pintura: el tamaño importa
La posguerra estadounidense no rompió exactamente con la vanguardia europea. Más bien la replicó, la amplificó y la convirtió en un nuevo canon. La pintura dejó de ser únicamente una superficie para convertirse en un dispositivo de sala, en una experiencia de escala y presencia.

Del marco teórico de Clement Greenberg y la aparición del MOMA a la participación de Robert Rauschenberg en la Bienal de Venecia de 1964, veremos cómo la radicalidad heredada del dadaísmo y del surrealismo se transformó progresivamente en “buen gusto” y contribuyó a consolidar el mercado del arte en Estados Unidos.

En paralelo analizaremos cómo la escala se convierte en una estrategia central en los trabajos de artistas como Barnett Newman, Mark Rothko o Frank Stella, frente a la figuración intensamente corporal y psicológica de Francis Bacon.

Sesión 2 – El bloqueo contemporáneo
Una de las estrategias más radicales contra la autoría consiste en retirar el gesto: el artista produce obra dejando de producir. Frente al mandato moderno de la productividad constante aparece la posibilidad de suspender el trabajo, desaparecer o convertir el tiempo en el verdadero material de la obra.

Marcel Duchamp encarna de manera temprana esta paradoja: entre las entrevistas donde afirma haber dejado el arte y la aparición tardía de Étant donnés, su figura oscila entre retirada y reapropiación. Frente a él, Joseph Beuys representaría el modelo opuesto de producción total.

A partir de ahí veremos diferentes formas de bloqueo, abandono o suspensión: las galerías cerradas de Robert Barry, los trabajos de duración extrema de Tehching Hsieh, la repetición obsesiva de On Kawara las operaciones casi invisibles de Ignasi Aballí o la negación convertida en dispositivo político en las obras de Santiago Sierra. En ese paisaje aparecerán también figuras inesperadas como Andy Warhol o el cineasta Jørgen Leth, donde la repetición y la distancia funcionan como estrategias de retirada.

Sesión 3 – Performance y relato
La performance introdujo una transformación decisiva en la relación entre obra y autor. Más que representar algo, el artista se presenta a sí mismo en una acción que con frecuencia acaba convertida en relato: la historia del gesto realizado.

Partiremos de Chris Burden para pensar esta transformación. Sus acciones funcionan como acontecimientos que circulan en forma de historia: el artista que se encerró, que se dejó disparar, que llevó su cuerpo al límite… De forma casi intuitiva, estas acciones resuelven la relación entre verdad y relato.

A partir de ahí veremos diferentes formas de esta lógica narrativa en artistas como Carolee Schneemann, donde cuerpo, voz e imagen se entrelazan; Sophie Calle, que convierte la investigación y la autoficción en método; Bas Jan Ader, cuya obra oscila entre romanticismo y desaparición; o Francis Alÿs, que transforma pequeñas acciones urbanas en microficciones.

Sesión 4 – Copiar
Copiar no es simplemente reproducir. Copiar puede ser una forma de desmontar la idea de original, de exhibir las reglas del juego y de redistribuir la autoría. Antes incluso de las vanguardias, la cultura medieval ya funcionaba a través de la copia, la repetición y la variación.

En el arte contemporáneo estas estrategias reaparecen con fuerza en el trabajo de artistas como Elaine Sturtevant, que vuelve a producir obras de Warhol, Duchamp o Beuys; Sherrie Levine, con sus célebres After Walker Evans o After Miró; Richard Prince, que reencuadra imágenes existentes y reactiva estrategias ya presentes en el Situacionismo; o Xavier Aballí y sus museos personales, apropiados y secretos.

La sesión permitirá también pensar cómo copiar puede ser una forma de conocimiento: aproximarse a otros artistas, estudiar sus gestos, aprender de sus procedimientos. Interesarse más por los demás que por uno mismo puede convertirse también en una manera de cuestionar la figura del autor inspirado.

Sesión 5 – El comisario después del autor
Si el artista contemporáneo ha explorado estrategias de desaparición, copia o repetición, el comisario aparece como una figura que reorganiza estas operaciones. En lugar de producir obras, trabaja con ellas: las monta, las cita, las combina y las convierte en relato público.

Podríamos pensar en el comisario como un autor espejo: un sampleador de obras y documentos. Desde la figura temprana de Baudelaire, que se definía como un sujeto espejo entre la multitud, hasta comisarios como Harald Szeemann, que transformaba las exposiciones en constelaciones de sus obsesiones personales.

Veremos también modelos muy distintos de esta figura: Seth Siegelaub y la exposición como publicación; Hans Ulrich Obrist y la entrevista como archivo en expansión; o Robert Nickas, que ha defendido una práctica curatorial más intuitiva y menos institucionalizada.
Las estrategias vistas durante el curso, desaparecer, copiar y repetir, confluyen así en la figura del comisario contemporáneo, entendido como un autor espejo que trabaja a partir del montaje, la edición, el collage y el sampleo.


Bibliografía
BÜRGER, Peter. Teoría de la vanguardia. Barcelona: Península, 2009.
CRUZ SÁNCHEZ, Pedro A. Arte y performance. Una historia desde las vanguardias hasta la actualidad. Madrid: Akal, 2018.
FILIPOVIC, Elena. The Apparently Marginal Activities of Marcel Duchamp. Cambridge (Massachusetts): The MIT Press, 2016
FOSTER, Hal. El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo. Madrid: Akal, 2001.
LIPPARD, Lucy R. Seis años: la desmaterialización del objeto artístico (1966-1972). Madrid: Akal, 2004.
MATA, Valeria. Plagié. Barcelona: Terranova, 2024.
OBRIST, Hans Ulrich. Life in Progress. Londres: Particular Books, 2024.
VILA-MATAS, Enrique. Bartleby y compañía. Barcelona: Anagrama, 2000.


Calendario: Los miércoles, 4, 11, 18, 25 de noviembre y 2 de diciembre
Horario: 19h a 20:30h
Lugar: La Central c. Mallorca 

Precios
General: 90 € / Ex-alumnos*: 81 € con 10% de descuento

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Funcionamiento
Las sesiones serán totalmente presenciales, se llevarán a cabo en La Central c. Mallorca, 237, los días y las horas estipuladas por el calendario. Las sesiones no se retransmitirán virtualmente ni se grabarán. 

Condiciones de inscripción
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Imagen: Francis Alÿs, Paradox of Praxis I (Sometimes Making Something Leads to Nothing), 1997

*Curso en castellano